Michael Dean
HER BODY IN THE SAME PLACE AS MY BODY
12 nov 2008 - 30 gen 2009
inaugurazione mercoledì 12 novembre 2008, ore 18.00
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Questo testo è la mia personale interpretazione di come sarebbe stata – se avesse mai avuto luogo – un’intervista con Michael Dean a pochi giorni dall’inaugurazione della sua prima mostra personale alla galleria Alessandro De March a Milano.Le parti tra parentesi sono accenni e ispirazioni che Michael mi ha regalato inconsapevolmente l’ultima volta che sono andato nel suo studio.
L’opera di Michael Dean utilizza i significati tipografici del linguaggio per veicolare testi, che si trasformano poi in oggetti e figure. Il risultato visibile è fatto di fotografie, sculture, tele e video la cui caratteristica principale è un uso puramente calligrafico di forme e materiali. L’assoluta fisicità del suo lavoro – la struttura mutevole e i vari strumenti usati – rimarca ulteriormente la necessità del testo, e diventa uno specchio con cui riposizionare il linguaggio nel mondo.
Mentre ti scrivo sono consapevole del fatto che, se tocco il corpo del testo con le mani fredde, si ritrarrà da me. Questo perché, quando si parla della tua opera, ogni singola parola ha la sua coerenza e necessità di essere, forse si può persino parlare di inevitabilità. Il tuo lavoro è una limpida registrazione della rete tipografica che il linguaggio condivide con il mondo. L’incarnazione visibile di tale correlazione sono gli oggetti che, in quanto segni calligrafici, restituiscono al mondo questa relazione. Quegli stessi oggetti, poi, non essendo che le conseguenze di un flusso che scorre da te ai testi scritti, incarnano nel loro aspetto una totale corrispondenza fra le tre parti costituenti: il mondo, il linguaggio e l’oggetto, che è sempre mondo. La tua poesia si basa su osservazioni e movimenti racchiusi in testi rarefatti e poi trasferiti in opere delicate e restituiti al mondo attraverso le mie – in quanto spettatore – letture ed esperienze. Le corrispondenze tra tutte queste parti sono sempre presenti e devono sempre essere ricercate.
[Si può leggere il testo come si cammina in una foresta. Questo movimento è il motivo per cui scrivo].
Ricordo di aver letto un giorno la storia incredibile di un film di Woody Allen doppiato. Adesso la mia passione per i suoi film è sulla strada di un lento ma inesorabile declino, ma all’epoca collezionavo e guardavo tutti i film con il suo nome nei titoli, a prescindere dal contenuto. Ecco, quell’articolo mostrava la non corrispondenza tra la versione inglese e la traduzione in italiano piuttosto libera di alcuni dialoghi. In sostanza scoprii che la battuta che più amavo in realtà non era altro che un’invenzione del traduttore e non di Woody Allen. Questo conferì al film, ai miei occhi, un’aura unica: non si trattava della battuta in sé, ma dei diversi contesti e della loro poetica.
Tutto questo per dire che, quando guardo la tua opera, devo ricordare a me stesso di concentrare l’attenzione sul punto di fuga, e non sul dito che indica l’oggetto in quanto tale.
[L’opera è assemblata come qualcos’altro, e questo qualcos’altro è il mondo].
Il tuo lavoro è un universo di costellazioni insolute. Ciò che ci mostri è una percezione cristallizzata del mondo stesso così come ti è apparso per una frazione di secondo nel suo infinito annunciarsi. Il tempo si ferma: lo stesso istante viene ripetuto e riscritto, strato su strato, fino a che la sua forma finale è in grado, pur nella sua instabilità, di comunicare.
La difficoltà sta nell’accettare il fatto che l’aspetto di questi oggetti/costellazioni – ciò che vedrai nello spazio – sia soltanto uno strumento di consegna, un organo sostituibile che, in quel preciso istante, svolge al meglio la sua funzione.
[Ri-rappresentare il mondo attraverso l’opera; l’oggetto evoca un incontro].
Adesso sto entrando nello spazio della galleria.
[Le opere non hanno titolo].
È un’unica stanza con un percorso ricalcabile. Ci sono tanti percorsi da seguire quanti sono gli occupanti della stanza. Adesso sono di fronte all’opera: vedo due montagne, identiche l’una all’altra. Due montagne identiche, ma avrebbero potuto essere tre, quattro, cinque e così via.
L’unica differenza percepibile consiste nel modo in cui la luce brilla attraverso le vallate che danno forma ai vari lati delle due pendenze. Il lato nord, il lato sud, il lato est e il lato ovest con tutte le loro combinazioni possibili.
[Salme diverse, un’unica salma].
Da dove provengono queste due montagne? Non sarebbe forse più facile concentrare la mia attenzione su una parte dell’opera ed analizzarla in base ai suoi richiami concettuali e al suo valore estetico? La mia reazione nasce dalla continua decentralizzazione dell’attenzione che l’opera stessa esprime: ciò che vedo – l’oggetto che ho di fronte – non è altro che il momentaneo incontro con un’idea, il frammento di un testo più vasto che si potrebbe ripetere all’infinito – tutte quelle montagne identiche – ma che esprimerebbe sempre la sua necessaria fisicità attraverso un oggetto specifico. L’opera è un modo possibile di parlare del mondo; quello che vedo, nella sua bella oggettività, è il mezzo per arrivare al mondo stesso attraverso qualcos’altro, attraverso il tuo testo incarnato nella sua forma necessaria. Stai lavorando ad una sorta di archeologia al contrario, in cui il risultato di continue addizioni – strati, forme, significati, processi – fa rinascere la poesia che ti ha ispirato: il corpo, la sua gestualità e la sua relazione con l’altro.
[L’opera funziona come un omologo di qualcos’altro che è il mondo].
In ogni caso le opere sono tutte lì, l’una accanto all’altra sul muro e sul pavimento. Non hai mai ricercato la smaterializzazione o la trasparenza. Al contrario, ogni oggetto è tanto necessario nella sua singolarità quanto è identico a tutti gli altri nella funzione. Le opere non sono che un’opera. Multiple come le nostre due montagne (o tre o quattro…) e tautologiche come il loro essere un’unica opera. La vera differenza sta nelle diverse forme che questa “una e millesima” montagna può incarnare in un istante specifico.
[Tutta l’opera è uguale, qualsiasi differenza è accidentale. Sto ripetendo la stessa cosa in molti modi diversi].
Questo non significa che ogni elemento sia meno importante in se stesso. Se è un tutt’uno, se fisso le due montagne identiche che ho di fronte, come potrei concentrarmi su una singola opera? Si tratta piuttosto di comprendere l’importanza delle forme sempre diverse che la luce crea brillando in innumerevoli modi tra i picchi e le valli delle montagne ad orari diversi. Queste forme sono mezzi di comunicazione che tramandano un momento, e seppure fragili sono un’istantanea della realtà, un flusso di sentimento, dal mondo passano attraverso un testo, si trasformano in un oggetto e ritornano al mondo attraverso i miei occhi.
[Dal mondo a me al testo all’oggetto a te e di nuovo al mondo].
La tua opera è sempre un omologo: il mondo come serie calligrafica di testi, e quei testi come serie fisiche di oggetti – che sono sempre il mondo. Ma c’è sempre anche un senso di inevitabilità degli oggetti e della loro materialità. Se qualcosa accade, deve accadere in una certa forma e con una determinata materia perché possa trasmettere il testo. Se utilizzi uno strumento è perché quello strumento è il testo stesso, è il suo aspetto tipografico.
[Il mezzo di trasmissione è presente nell’oggetto, in superficie, dunque sai come è accaduto].
Le due, tre, quatto montagne identiche sono ancora là, in mezzo alla stanza, ad incarnare la molteplicità fisica di un messaggio unico pronunciato con accenti diversi. Questo mi consente di vedere quelle montagne come un solo e unico processo fatto di forme infinite che, come la luce tra i picchi, riflettono il testo nel mondo.
Francesco Pedraglio, Londra, novembre 2008
Michael Dean, 1977 Newcastle Upon Tyne (UK). Vive e lavora a Londra. Mostre selezionate: 2009 Work | projects, Bristol (UK); 2008 “The Mythology of Everyday Matters” Bilton Centre for Contemporary Arts, Red Deer, Canada; “You cant reflect in the distance and you dont reflect distances towards you closing”, Feurig 59, Berlin, (D); “Italia Italie Italien Italy”, ARCOS, Benevento (I) curate entrambe da Giogiotto Del Vecchio; “The Machine of the Machine of Our Hands”, FormContent, Londra, (UK); 2007 “All the trees bend this way” GuestRoom, London (UK); “This is the time (and This is the record of the time)”, a cura di Carlo Fossati e Simone Menegoi Spazio Blank, Torino (I); “Yours”, Exopositio Residency, Napoli (I); 2006 “the leaves move the moves a wave these waves sway because they return because this tree stays the sea stays and this waves they sway”, E:vent Gallery, London (UK).
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The following text is my personal interpretation of what could have been –had it happened – an interview with Michael Dean a few days before the opening of his first solo show at Alessandro De March, Milan.
The texts that appear in brackets are hints and suggestions that Michael himself unconsciously gave me last time I went to his studio.
Michael Dean’s work uses the typographical values of language to deliver texts, which then transmute into objects and forms. The visible results are photographs, sculptures, canvases and videos based on a purely calligraphic use of shapes and materials. The absolute physicality of the work – its variable body and the different mediums used – informs once again the necessity of the text itself, becoming a mirror to place back language into the world.
I’m writing to you conscious of the danger that, if I touch the body of the text with cold hands, I will see it retreating from me. That is because, in talking about your work, every word has its consistency and necessity, perhaps even its inevitability. Your practice is a transparent recording of the typographical net shared by language and the world itself. The visible incarnations of this correspondence are objects that, as calligraphic signs, give back to the world this relationship. These same objects, being consequences of a stream that goes from you to the written texts, embody in their appearances a complete correspondence between the three constituents parts: the world, the language and the object that is world again. Your poesy is based on observations and movements encapsulated in rarefied texts, then transferred into delicate works and given back to the world by my – the viewer – readings and experiences. The correspondences between all these parts are always there and always to be chased.
[The text could be read like walking into a forest. This movement is why I write].
I remember once reading about the incredible story of the dubbed version of a Woody Allen movie. Even if my passion is now on a slow but inexorable decrease, at that time I used to collect and watch all movies with his name on the titles, careless of the contents.
What happened is that the article showed the incongruence between the English version and the rather liberal Italian translation of some dialogues. As a matter of fact I discovered that the joke I loved the most, was actually a pure invention of the translator and not of Allen himself. To my eyes this gave to the movie a unique aura: it was not about the joke itself, it was about different contexts and their poetics.
All of this to say that, when I look at your work, I have to remind myself to focus the attention at its vanishing point, not at the finger pointing at the object itself.
[The work is put together as something else, and this something else is the world].
Your practice is a universe of unsolved constellations. What you show us is a crystallised perception of the world itself as it appeared to you for a fraction of a second in its infinite announcements. Time stops: the same instant is repeated and rewritten, layer on top of layer, until its final shape is able, even in its instability, to deliver.
The difficulty stands in accepting that the appearances of these objects/constellations – what you are going to see in the space – are just a medium of delivery, an exchangeable organ that, in that specific instant, serve its purpose in the best way.
[Restage the world through the work; the object conjures encounter].
Now I’m entering in the gallery space.
[The pieces have no titles].
It is a single room with a traceable path. There are as many paths to navigate through, as there are occupants in the room itself.
Now I’m in front of the work: I see two mountains, one identical to the other. Two identical mountains, but it could have been three, four, five etc.
The only perceivable distinction consists in how the light shines through the valleys that shape the different sides of the two inclines. The north side, the south side, the east side and the west side with all their possible combinations.
[Different corpses, all the same corpse].
Where do these two mountains come from? Wouldn’t it be easier to fix my attention on one piece of work, analyse it for its conceptual references and aesthetic values?
My reaction is based on the continuous decentralisation of attention expressed by the work itself: what I see – the object in front of me – is just a momentary encounter with an idea, a fragment of a wider text that could be repeated endlessly – all these identical mountains – but that would always express its necessary physicality through a specific object. The work is a possible way to talk about the world; what I see, in its beautiful objectiveness, is the medium to get to the world itself through something else, through your text embodied in its necessary shape.
You are working on a reverse archaeology in which the result of continuous additions – layers, shapes, meanings, processes – brings back the poesy of your inspiration: the body, its gestures and its relation with the other.
[The work functions as an analogue of something else that is the world].
Anyway the pieces are all there, one next the other on the wall and on the ground. Yours has never been a research on dematerialisation or transparency. Instead every object is as necessary in its singularity as it is identical in its function to all the others. The works are just one work. Multiples like our two mountains (or three or four…) and tautological like their being one unique work. The real diversity stands in the different shapes that this ‘one and one thousandth’ mountain could embody in a specific instant.
[All of the work is the same, any difference is incidental. I’m repeating the same in several different ways].
This doesn’t mean that each piece is less important as a single. If it is all the same, if I’m staring at these two identical mountains in front of me, how could I possibly concentrate on a singular work? But it is a matter of understanding the importance of the ever different shapes created by the light shining in countless ways through the peaks and valleys of the mountains at varying hours. These are mediums of communication that transmit a moment, that even when frail, are a snapshot of reality, a stream of feeling that, from the world pass through a text, transmute into an object and go back into the world through my eyes.
[From the world to me to the text to the object to you and to the world again].
Your work is always an analogue: the world as calligraphic series of texts, and these texts as physical series of objects – which are the world again. But there is always a sense of inevitability to the objects and to their materiality. If something happens, it has to happen in a certain shape and with a certain material to deliver the text itself. If you use a medium it is because that medium is the text itself, it is the typographical appearance of it.
[The means of delivery is present in the object, in the surface, so you know how it happened]
The two, three, four identical mountains are still there in the middle of the room embodying the physical multiplicity of a unique messages pronounced through different accents. This allows me to see these mountains as one unique practice made of infinite shapes that, as light through the peaks, mirror the text back into the world.
Francesco Pedraglio, London November 2008
Michael Dean, 1977, Newcastle Upon Tyne (UK). Lives and works in London. Selected expositions: 2009 Work | projects, Bristol (UK); 2008 “The Mythology of Everyday Motters” Bilton Centre for Contemporary Arts, Red Deer, Canada; “You cant reflect in the distance and you dont reflect distances towards you closing”, Feurig 59, Berlin, (D); “Italia Italie Italien Italy”, ARCOS, Benevento (IT) curated by Giogiotto Del Vecchio; “The Machine of the Machine of Our Hands”, FormContent, London, (UK); 2007 “All the trees bend this way” GuestRoom, London (UK); “This is the time (and This is the record of the time)”, curated by Carlo Fossati e Simone Menegoi, Spazio Blank, Turin (I); “Yours”, Exopositio Residency, Naples (I); 2006 “the leaves move the moves a wave these waves sway because they return because this tree stays the sea stays and this waves they sway”, E:vent Gallery, London (UK). |
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